Os 10 melhores filmes de 2020

Certamente não foi um ano típico para, nada, incluindo para a sétima arte. À medida que Hollywood empacotava as suas compras e empurrava muitos dos seus projetos para 2021 ou serviços de streaming, surgiram como resposta a avaliar criticamente um momento tão incomum para o cinema. Alguns grupos como a Academia adiaram seus prémios para criar uma janela mais longa de inclusão, enquanto alguns escritores lamentaram a falta de qualidade em geral.

Simplesmente não estavam a ver com a atenção suficiente. No final, foi um ano muito sólido para a forma, e a falta de sucessos de bilheteira só permitiu mais espaço para avaliar os filmes que, de outra forma, poderiam ter passado despercebidos. Apesar de todos os constrangimentos, surgiram ótimos filmes que nem chegaram a entrar no mercado. Cada um dos 10 filmes abaixo resistirá ao teste do tempo, permanecendo como obras de arte importantes mesmo depois deste ano horrível ficou para trás. O mais importante é que a Sétima arte perdura.

 

1. The Assistant

O filme notável “The Assistant” de Kitty Green é sobre o caso mediático #MeToo e Harvey Weinstein sem ser explicitamente declarado. Em vez disso, este drama tranquilo do dia-a-dia quebra as muitas maneiras pelas quais os funcionários são forçados a tolerar o mau comportamento. No filme, Jane (Julia Garner) é uma mulher trabalhadora que entra no escritório todas as manhãs vinda do Queens quando ainda está escuro. No entanto hoje, algo está errado. Ela encontra um brinco no escritório do chefe. Uma mulher que ela nunca viu antes passa para o ir buscar.

Uma jovem de Idaho procura um emprego como o dela e a empresa hospeda-a num hotel chique. Quando o seu chefe desaparece, todos os seus colegas de trabalho parecem saber para onde ele foi. Quando Jane finalmente cria coragem para o denunciar a um representante de Recursos Humanos (o assustador Matthew Macfadyen), ele ignora as suas preocupações e avisa que o seu relato pode encerrar a sua carreira. Quando Jane se levanta para sair, a chorar, ele diz-lhe para não se preocupar no jeito de: “Você não é o tipo dele.”

  • “The Assistant ” psicologicamente explora todas as pequenas maneiras pelas quais alguém tenta fazer a coisa certa e encontra resistência para esse efeito. O seu chefe grita com ela e humilha-a por escrever-lhe um pedido de desculpas por cada erro, forçando a sua vontade a se auto-preservar. Outros no escritório sabem o que está a acontecer, contudo mais ou menos dão o exemplo para olhar para o outro lado. Jane deve estar aliviada por não sofrer de assédio sexual, então e as outras mulheres?

    Ou o próximo executivo para quem ela trabalha? O filme de Green, que ela também escreveu e realizou, funciona não apenas no ambiente de uma produtora, mas em quase todos os locais de trabalho tóxicos que encorajam os seus funcionários a ignorar o abuso e não lhes dar ferramentas para o impedir.

     

    2. “The nest“

    Existem cenas no drama conjugal de Sean Durkin “The Nest” que são tão cruas e reais, tão específicas e vivas, que você pode sentir a necessidade de as querer ver com os dedos abertos. Como escritor e realizador, ele cria a sensação de que você vagou por um espaço íntimo ao qual não pertence, ao ver o marido e a mulher a separarem-se com ressentimentos profundos e golpes hiper-verbais. É desconfortável, porém você não pode desviar o olhar, porque o diálogo é tão fascinante e as performances de Jude Law e Carrie Coon são tão requintadas.

    Nove anos após o seu filme de estreia “Martha Marcy May Marlene”, Durkin mais uma vez explora temas de busca e empenho, de se reinventar numa pessoa idealizada com consequências perigosas. O culto ao qual Rory O’Hara de Law aderiu é o capitalismo, mas, dado que é a era do consumo conspícuo de Reagan e Thatcher, seus anseios são inevitáveis. Durkin nunca explica essa noção, no entanto. Em vez disso, é parte da atmosfera rica que ele cria, conforme Rory, Coon’s Allison e seus dois filhos mudam-se do interior do estado de Nova York para a Inglaterra em busca de riquezas ilusórias. Rory já vive como se tivesse se tornado grande, no entanto ele está apressado e a tagarelar, a contar com a sua aparência e charme para entrar em contacto com empresas de investimento de prestígio, e está claro que a corda bamba que ele anda vai se partir a qualquer momento. Enquanto ele insiste em mudar a sua família para uma mansão extensa que eles não podem pagar, uma sensação crescente de claustrofobia é inevitável.

    Dentro dessa queima lenta, Law e Coon apresentam os melhores desempenhos da carreira. Este é o papel que Law tem trabalhado em toda a sua vida, desempenhando tanto a sua beleza de menino de ouro quanto o seu carisma sinistro. Coon é apenas um nocaute como a esposa farta de Law. Ela tem uma qualidade camaleónica como atriz, mas não importa o papel, ela exala uma franqueza estimulante. Ela sempre lhe dá uma verdade autêntica. Quando ela finalmente se encaixa, ela é feroz.

    “The Nest” evoca o cenário dos anos 1980 de maneiras inspiradas, desde roupas inesperadas e escolhas de design de produção até uma banda sonora variada de sucessos que vão de The Cure a Bronski Beat e Al Jarreau. No entanto embora os detalhes do período sejam específicos, a história de desejo e engano é atemporal.

     

    3. Never Rarely Sometimes Always

    O título é a lista de respostas possíveis para uma série de perguntas delicadas que uma assistente social faz a uma adolescente grávida que procura um aborto. A assistente social da vida real Kelly Chapman, que auxiliou a escritora / realizadora Eliza Hittman na sua pesquisa para o filme, pergunta gentilmente a Autumn (a novata Sidney Flanigan) sobre abuso e consentimento, caso um plano de segurança seja necessário após o procedimento. Enquanto ela tenta selecionar a opção certa para responder a cada pergunta, vemos uma dúzia de memórias e emoções a cintilarem no seu rosto. É uma das cenas mais inesquecíveis do ano. Nunca descobrimos quem é o responsável pela gravidez de Autumn ou quais foram as circunstâncias, no entanto a sua resposta às perguntas sobre se ela consentiu no contcato sexual nem “sempre”.

    Autumn e a sua prima Skylar (Talia Ryder) apanham um autocarro da Pensilvânia para Nova York, porque é a única maneira de Autumn fazer um aborto sem que a sua mãe e o seu padrasto descubram. Numa entrevista, Hittman afirmou que queria “recuperar a narrativa” sobre os direitos reprodutivos com uma perspectiva feminina. Ela conta a história com muita ternura, mais protetora com as duas miúdas do que os outros personagens. O tom íntimo e documental de Hittman ilumina a vulnerabilidade das miúdas, a sua determinação e a sua resiliência.

     

    4. Beanpole

    O artigo de época de Kantemir Balagov sobre duas mulheres russas a atravessarem os escombros da Segunda Guerra Mundial e o seu trauma relacionado era tão deprimente quanto a narrativa tornava-se em 2020. A sua primeira grande tragédia sozinha, a envolver a morte de uma criança, pode ser demais para alguns prémios. É apenas o começo de uma história que parece estar constantemente dobrar-se em si mesma, usando o arco de dois melhores amigos para capturar como um país inteiro se cura das feridas da guerra, tudo enquanto parece que estão afundar na areia movediça.

    É um filme magistral que funciona em vários níveis, um estudo de personagens profundamente empático ancorado pelas duas performances de tirar o fôlego e também um estudo da história russa feito com algumas das artes mais impressionantes do ano.

    As incrivelmente naturalistas Viktoria Miroshnichenko e Vasilisa Perelygina, ambas novatas que deviam ter uma longa carreira, interpretam Iya e Masha, dois sobreviventes muito diferentes. Iya tem um trauma profundo, tanto físico quanto mental, que leva a eventos em que ela parece simplesmente congelar, perdida numa memória horrível. As feridas de Masha são reveladas através da história, mas este ex-soldado russo fará de tudo para conseguir o que deseja. Em grande parte num hospital no qual as duas mulheres trabalham, “Varapau” é sobre duas mulheres a tentarem reconstruir algo com os destroços de Leningrado e as suas vidas. É mais uma prova de que o cinema é uma força unificadora, encontra a emoção e humanidade relacionáveis através da cultura e do tempo. É inesquecível.

     

    5. Minari

    Não existe um milhão de histórias diferentes a serem contadas. A maioria das histórias, mesmo as pessoais, contém elementos familiares ou vêm de fontes semelhantes. Porém existem diferentes lentes através das quais podemos ver o que é familiar, lentes que se expandem e transformam a nossa memória ou experiência coletiva “partilhada”. Por exemplo, a história da NASA, contada em incontáveis ​​filmes e documentários, estava incompleta até que as “figuras ocultas” de matemáticos e engenheiros afro-americanos foram reveladas.

    Então a lente ficou mais larga. A história não diminuiu em relevância, contudo expandiu-se porque mais pessoas foram incluídas nela. “Minari”, de Lee Isaac Chung, vagamente baseado na sua própria infância no Arkansas, é esse tipo de filme.

    “Minari” é uma história familiar de um imigrante e uma história americana familiar, repleta do sonho de possuir terras, trabalhar a terra, ser o seu próprio patrão. Jacob (Steven Yeun) e Monica (Yeri Han), imigrantes coreanos, fizeram a escolha ousada de deixarem os seus empregos como sexadores de frango na Califórnia, para se mudarem para Arkansas com os seus dois filhos pequenos, a perseguirem o sonho de Jacob de começar uma pequena quinta. Jacob deleita-se com a sujidade, o suor, a visão dos esforços que virão. Monica odeia tudo isto, e os filhos vêm, assustados, enquanto o casamento dos pais se desintegra. A mãe de Monica, ao ficar com eles, aumenta a tensão na pequena casa. A Avó é um fio elétrico, e o desempenho excelente de Yuh-Jung Youn é a chave para o impacto de “Minari” (bem como a razão por trás do seu título).

    “Minari” captura os ritmos da vida na quinta, ao mesmo tempo que dedica a sua atenção às especificidades da dinâmica familiar, ao casamento fraturado de Jacob e Monica, ao relacionamento da avó com David de 6 anos e ao relacionamento da família com a cidade rural onde eles vivem agora. Chung configura as coisas meticulosamente para que as recompensas, quando vierem, não sejam apenas verdadeiras, porém que tenham grande peso e emoção. Este é um filme antiquado, no melhor e mais verdadeiro sentido da palavra.

    Ao falar de Marilyn Monroe, o fotógrafo Henri Cartier Bresson observou: “Ela é americana e está muito claro que ela é, ela é muito boa assim , é preciso ser muito local para se ser universal.” Isso é o que Chung realiza. “Minari” retrata uma experiência muito específica, uma experiência muito “local” e, com isso, criou um filme cintilante com verdades universais sobre infância, família, mortalidade, pertencimento, sonhos e esperança.

     

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    6. Da 5 Bloods

    Na sua alma, “Da 5 Bloods” de Spike Lee é sobre quatro soldados negros americanos a regressarem ao Vietname para recuperarem os ossos e a sabedoria do homem que os guiou na guerra. Stormin Norman, interpretado com a sagrada majestade em flashbacks pelo falecido Chadwick Boseman, é a voz dominante de tal sabedoria na lição de história maravilhosamente de Lee sobre como a América nunca foi grande. Nunca poderia ser ótimo, se se tratasse as pessoas como trata e como tem feito. Durante os seus poderosos monólogos, Norman lembra os seus companheiros Bloods sobre como a América foi construída sobre o sacrifício de corpos negros, como o de Crispus Attucks, o primeiro homem morto na Guerra Revolucionária Americana. Quando os 5 Bloods descobrem sobre o assassinato de Martin Luther King Jr., Norman é quem os conduz para longe da retaliação. “Nós controlamos a nossa raiva”, garante ele. “Eles não podem usar a nossa raiva contra nós.”

    O passado está presente no mundo de “Da 5 Bloods”, o filme de Lee sobre a Guerra do Vietname que homenageia o PTSD que a guerra infligiu aos nativos e aos soldados que fizeram turné. É uma aventura animada, multifacetada e fortemente emocional, a começar com quatro amigos veteranos reunidos a dançarem dentro de um clube chamado “Apocalypse Now” (que até usa o logotipo do épico da Guerra do Vietname de Francis Ford Coppola). Os nossos heróis complicados (interpretados por Delroy Lindo, Clarke Peters, Norm Lewis e Isiah Whitlock, Jr.) vivenciam o país através da dor do povo vietnamita, e “Da 5 Bloods” remove claramente o jingoism do seu diálogo sobre a história americana.

    Paralelo à compaixão do filme por como a guerra americana nunca terminou de verdade no Vietname, está também o contexto de que a América usou a vida dos negros para a guerra, embora não os apoiasse em casa. Os Bloods eram parte de uma geração enviada para morrer por um país que então matou os líderes da sua liberdade. (O roteiro foi co-escrito por Lee e Kevin Wilmott, que reescreveu um roteiro de Paul DeMeo e Danny Bilson para focar nos soldados negros.)

    Juntamente com os restos mortais de Norman, esses veteranos também estão a procurar o ouro que enterraram durante a guerra, que Norman sempre disse que deveria ir para a libertação negra. Todos querem a sua parte, no entanto alguns americanos querem ser, como diz Paul, “o filho da puta”. Paul “acreditava em Norman como uma religião”, de acordo com os seus companheiros Bloods, porém ficou com raiva do mundo e afastou-se do seu filho David (Jonathan Majors), que se juntou aos quatro Bloods na sua caça ao tesouro. Paul encarna um tipo de loucura MAGA, usando um boné vermelho “Make America Great Again” ao longo do filme como uma declaração provocativa e como uma distração da sua sensação de impotência. Os eventos tortuosos da história enviam um Paul encharcado de suor mais fundo na selva e as razões por trás da sua raiva, expressa por Lindo em monólogos de close-up de angústia assustadora e solidão angustiante.

    “Da 5 Bloods” sempre terá um significado especial sendo lançado no Verão, onde Black Lives Matter recebeu a sua maior cobertura nacional até então, inspirado em parte pelo assassinato de George Floyd e outros nas mãos sujas do policiamento discriminatório opressor. O filme de Lee apresenta as muitas faces de um grupo Black Lives Matter e mostra o poder dos seus números. Alguns especularam que a filmagem foi adicionada para ser oportuna, porém Lee confirmou que foi a primeira cena que filmaram, como se fosse a sua própria entrada em “Da 5 Bloods”. Lee nunca esquece a história, mas ainda tem uma crença revigorante e inspiradora no que a América poderia ser.

     

    7. First Cow

    “First Cow” abre o mundo de hoje, uma descoberta ao mesmo tempo inquietante e de algum interesse arqueológico / sociológico. A narrativa é então levada de volta ao passado e, eventualmente, ocorre para o espetador que a descoberta também é um spoiler gigante, e gostaria que não fosse.

    Esse tipo de prestidigitação narrativa não é comum para Kelly Reichardt, que realizou “First Cow” a partir de um roteiro que escreveu com Jonathan Raymond, adaptando o seu romance The Half Life. Porém serve bem a sua visão da América como uma terra de descobertas e pavor. No Oregon de 1820, o fim da linha para muitos homens da fronteira, um cozinheiro judeu e um homem chinês, primorosamente representado por John Magaro e Orion Lee, renegociaram os seus respetivos status de párias unindo-se e entrando num tipo de negócio juntos, preparando fritos de massa que fazem cócegas nas papilas gustativas de caçadores famintos.

  • Os empreendedores acidentais aspiram com otimismo ao mudarem-se para o sul, para São Francisco, e abrir uma loja física. Nesse entanto, eles encontram sustento na companhia um do outro e no refinamento das suas receitas. O único problema é a fonte de leite, que não lhes pertence.

    “First Cow” tem um ritmo vagaroso, permitindo que você conheça e, muitas vezes, ria com os seus personagens centrais. Se os primeiros minutos do filme nos lembram que, como diz o blues, a morte não tem piedade, o fim nos lembra que a história também não. No entanto o que está no meio mostra-nos o que a confiança, a amizade, a perspicácia, o amor e um pouco de leite roubado podem fazer para fornecer conforto no meio da aspereza.

     

    8. David Byrne’s American Utopia

    “American Utopia” mostra o que acontece quando dois gigantes da cultura pop no topo dos seus respectivos jogos finalmente colaboram, ao trazer uma experiência de vida inteira e a tratar o amor partilhado por performances ao vivo como uma linguagem comum. A estrela, compositor e criador de “American Utopia” é David Byrne, que agora detém a distinção de aparecer em dois dos maiores concertos já feitos, o outro sendo “Stop Making Sense” de Jonathan Demme, de 1984. O realizador é Spike Lee, cuja produção como cineasta de ficção foi tão formalmente inovadora e politicamente adaptada que as pessoas tendem a esquecer que ele tem a mesma certeza ao adaptar produções teatrais (incluindo “Freak”, “A Huey P. Newton Story”, “Passing Strange” e “Rodney King”).

    Misturando generosamente novas músicas, títulos de catálogo e covers amados, o filme de Byrne e Lee é uma celebração da comunidade e da conexão pessoal, espelhando a estrutura de “Stop Making Sense” (que também começa com Byrne a tocar a solo, depois adiciona instrumentistas e apoiado por cantores até que o palco esteja cheio) enquanto estabelece a sua própria estética, muito Spike-Lee. Os seus temas e espírito generoso inadvertidamente tornaram-no o antídoto perfeito ou a fuga virtual dos intensos sentimentos de isolamento que dominaram as pessoas em todo o mundo durante o primeiro ano da pandemia COVID.

    Porém a beleza absoluta da música, coreografia e imagens dão à “Utopia americana” uma ressonância que vai durar mais do que o momento histórico que a enquadrou. Fotografado com várias câmeras (e trabalhando em estreita colaboração com a cinegrafista Ellen Kuras e a coreógrafa original do programa, Annie-B Parson), Lee garante que uma imagem simples, poderosa e independente apareça após cada novo corte, seja em close-up de uma guitarra a ser dedilhada, Uma tomada aérea de artistas a moverem-se em formação ou a brincar à “macaca” no chão do palco. Um close do rosto admirado de Byrne. Este é o tipo mais puro de cinema e o tipo de arte mais puro.

     

    9. Nomadland

    A “Nomadland” de Chloe Zhao desdobra-se como uma série de observações deliberadamente ritmadas. Enquanto a câmera absorve as vistas deslumbrantes e às vezes ostentosas do exterior, Zhao permite-nos visitar indiferentemente os personagens que habitam este pequeno canto do universo. Sentamos nos com eles, ouvimos os seus sonhos e preocupações, sentimos as suas alegrias e frustrações e aprendemos como eles lidam com as dificuldades do dia a dia do seu estilo de vida na estrada. Estes são apresentados de forma prática, sem qualquer embelezamento ou representação excessivamente dramática dos eventos. O personagem central é Fern (Frances McDormand), uma viúva cujo marido e a sua cidade natal, Empire, Nevada, foram tirados dela em seis meses. O Império literalmente desapareceu depois de que a fábrica de gesso foi fechada e os residentes partiram para pastagens mais verdes.

    Para Fern, essas pastagens envolvem viver do lado de fora na sua van, conduzir de um lugar para outro enquanto faz o trabalho sazonal para sobreviver. Ela interage com as comunidades temporárias de colegas funcionários que surgem quando lugares como a Amazon estão a contratar. As pessoas que Fern conhece são interpretadas por vários não atores, pessoas que estão realmente a viver a vida que “Nomadland” explora. Eles trazem uma qualidade bonita, vivida e às vezes mítica ao filme.

    As suas discussões sobre a esperança de viver o suficiente para cumprir os seus destinos individuais deixam um resíduo assustador muito depois de rolados os créditos. Essas pessoas ficam consigo, como amigos que seguiram em frente, mas permanecem nas nossas memórias. Zhao sabiamente recusa-se a julgar ou até mesmo explicar as motivações dos seus personagens, em vez de nos forçar a processá-los através dos nossos próprios filtros pessoais.

    No centro deste excelente filme está McDormand, apresentado numa das melhores atuações da sua carreira. Ela mergulha no papel, tornando-se praticamente uma descoberta tão nova quanto os não-atores aos quais ela caridosamente cede os holofotes. Mesmo os seus momentos com David Strathairn, o único outro rosto familiar no elenco, têm uma qualidade tranquila, áspera e vivida que está a quilómetros de distância do seu status de celebridade. Esperamos que eles nos façam sentir pelos seus personagens. A maior surpresa é como nos tornamos apegados a todos os outros.

    “Nomadland” engendra a empatia que o nosso amado fundador, Roger Ebert, acreditava que os filmes podem produzir num espectador. Está repleta de pessoas, histórias e performances que solicitam e exigem a nossa compreensão, abrindo o nosso coração como as melhores “máquinas de empatia” o fazem.

     

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    10. Small Axe: Lovers Rock

    É difícil acreditar que o cineasta britânico Steve McQueen deu-nos não um, não dois, não três … mas cinco novos filmes este ano através da sua deslumbrante antologia “Small Axe”. De alguma forma, projetado para ir direto para o streaming (mesmo num hipotético mundo não COVID), apesar da sua óbvia adequação às enormes telas de cinema, este quinteto de filmes baseado em Londres, que abrange décadas, conta histórias empolgantes sobre a comunidade das Índias Ocidentais da cidade. O melhor fez isso com o seu otimismo eufórico.

    Na superfície, “Lovers Rock” é simplesmente sobre uma festa em casa por volta de 1980, uma noção nostálgica nas realidades ditadas pela pandemia de hoje, onde todos nós sentimos falta do tipo de conexões humanas fugazes, mas memoráveis, saraus íntimos usados ​​para forjar. Porém a oportunidade acidental do cenário melancólico de McQueen, com o seu aconchego e influência libertadora vertiginosamente capturada pelo cineasta Shabier Kirchner, não é a única coisa que carrega “Lovers Rock”. Existe também um propósito inegável no trabalho subtilmente político de McQueen que celebra uma cultura com especificidade. Enquanto estranhos ansiosos, vestidos e embriagados que conferem brevemente os seus problemas e as injustiças raciais da era na porta, dançam e cantam músicas de reggae românticas que um DJ toca, McQueen descobre um sentimento de pertencimento, uma dose de liberdade harmoniosa através da sua unidade.

    Com fantasias brilhantes para refletir a transição dos extravagantes anos 70 para os ousados ​​anos 80 e com a cena mais memorável do ano em qualquer filme, acompanhada pelo inebriante single de Janet Kay “Silly Games”, “Lovers Rock” aborda algo completo e sexy, até espiritual, com cada um dos seus passos sensuais.



    Mais: | Por: Sandra Melo