As 10 melhores pinturas de David Hockney

O histórico de leilões de David Hockney reflecte a sua ascensão no mercado da arte britânica moderna. As suas principais pinturas, desde retratos duplos e cenas de piscina a vastas paisagens de Yorkshire, alcançaram resultados históricos na Sotheby’s, Christie’s e Phillips, estabelecendo novos parâmetros para a arte do pós-guerra e contemporânea.

Esta página apresenta dados verificados sobre as dez obras de arte de David Hockney mais caras já vendidas em leilão. Os resultados revelam padrões a longo prazo no valor e no interesse dos coleccionadores pelas obras mais procuradas de Hockney no mercado global da arte. Juntos, fornecem uma referência concisa para os investigadores que examinam o desempenho dos preços, as tendências do mercado e a importância duradoura da arte de Hockney.

1. Portrait of an Artist (Pool with Two Figures), 1972

Nesta famosa pintura, Hockney continuou a usar a piscina como motivo de luxo e liberdade sexual, retratando uma figura subaquática a nadar em direcção a um homem que está na borda da piscina, a observá-lo.

Tal como em “The Splash”, a paleta de cores vibrantes de Hockney realça os tons de verde da paisagem californiana em segundo plano, contrastando com o rosa berrante do fato de banho do homem. A dinâmica entre as duas figuras é intrigante; a figura subaquática parece alheia à presença sinistra do homem de pé que se ergue sobre ela, cuja expressão e intenções são difíceis de decifrar. Estaria ele a olhar para a figura subaquática com amor ou raiva? Estaria prestes a saltar para a piscina ou à espera que ela saísse?

A pintura baseia-se na fotografia de Hockney de 1972, “John St Clair Swimming”, e a sua criação fez parte do documentário de Jack Hazan, “A Bigger Splash”, filmado ao longo de três anos no estúdio de Hockney. A pintura foi vendida na Christie’s em 2018 por 90 milhões de dólares , tornando-se a obra de arte mais cara de um artista vivo alguma vez vendida em leilão, pelo menos até a obra “Rabbit”, de Jeff Koons, bater o recorde em 2019.

2. Henry Geldzahler and Christopher Scott, 1969

A obra de Hockney, “Henry Geldzahler e Christopher Scott”, é um testemunho da sua apurada capacidade de observação e da sua habilidade em transmitir relações complexas através da composição e da forma. Criada em 1969, a pintura retrata Geldzahler, um curador proeminente e figura-chave na cena artística de Nova Iorque, sentado com confiança num sofá semicircular cor-de-rosa, enquanto Scott, artista e modelo, está à direita, vestindo um sobretudo. A justaposição das suas poses e expressões evidencia uma dinâmica interacção entre autoridade e contemplação.

Hockney emprega uma abordagem meticulosa aos detalhes, desde a representação realista do cenário urbano visível através da janela até à luz suave e difusa que banha o ambiente, conferindo-lhe uma atmosfera calma, mas ligeiramente distante. A escolha de um sofá rosa pastel e da mesa de centro angular com tampo de vidro acrescenta um toque de modernidade e sofisticação, reflectindo a sensibilidade vanguardista da época.

A disposição espacial e o uso da cor na composição são fundamentais para transmitir a profundidade psicológica das personagens. A postura relaxada e o posicionamento central de Geldzahler simbolizam a sua influência e presença no mundo da arte, enquanto a postura erecta e algo distante de Scott sugere um sentido de distanciamento ou introspecção. Este contraste convida o espectador a reflectir sobre a natureza da relação entre eles e as identidades individuais que protejam nesse espaço partilhado.

3. Nichols Canyon, 1980

Nichols Canyon oferece uma visão profundamente pessoal e localizada do ambiente de Hockney, captando o percurso diário do artista desde a sua casa em Hollywood Hills até ao seu estúdio em Santa Monica Boulevard. As linhas sinuosas das estradas criam uma sensação de movimento e direcção, guiando o espectador pela paisagem, tal como guiavam o artista na sua viagem diária.

O uso de cores vibrantes, quase surreais, por Hockney transforma a cena comum numa composição vívida e energética. Os vermelhos, amarelos e verdes brilhantes contrastam fortemente com os azuis e roxos mais frios, criando uma experiência visual dinâmica e envolvente. Esta paleta ousada reflecte a intensidade e a vivacidade da paisagem de Los Angeles, bem como a resposta emocional de Hockney ao seu meio envolvente.

Nichols Canyon explora a intersecção entre os ambientes naturais e urbanos. As estradas sinuosas e a folhagem densa coexistem com estruturas construídas pelo homem, sugerindo uma relação equilibrada, mas complexa, entre a natureza e o desenvolvimento urbano. Esta justaposição é um tema recorrente na obra de Hockney, reflectindo o seu fascínio pela forma como a intervenção humana molda e interage com os ambientes que nos rodeiam. Do ponto de vista técnico, a pincelada de Hockney em Nichols Canyon é expressiva e fluida, contribuindo para a sensação de movimento da pintura. A perspectiva aérea e as curvas acentuadas das estradas criam uma sensação de desorientação, convidando o espectador a interagir com a obra a um nível mais intuitivo. Esta abordagem inovadora à composição e à perspectiva é uma marca da obra posterior de Hockney, demonstrando a sua contínua experimentação e exploração de novas possibilidades criativas.

4. A Bigger Splash, 1967

Após os seus anos de universidade durante os “Anos Dourados” em Londres, Hockney foi seduzido pela promessa hedonista da Califórnia, com o seu sentido de rebeldia e tolerância à homossexualidade, que ainda era ilegal na Inglaterra da época. Mudou-se para Los Angeles no início de 1964, motivado pela aceitação da sua sexualidade e pelo seu interesse juvenil pelos filmes de Hollywood. Hockney permaneceria ali durante quase quatro décadas.

Hockney nutre um fascínio duradouro pelas piscinas, palmeiras, casas, sol e pessoas de Los Angeles, retratando a cidade como um paraíso infinito que permanece vivo na imaginação. Esta visão plana e luminosa do sul da Califórnia está imortalizada, principalmente, em A Bigger Splash (1967). A obra representa um afastamento dos trabalhos anteriores de Hockney, que eram mais abstratos na sua expressão e empregavam paletas mais escuras. Pintada a partir de um anúncio de piscinas que Hockney encontrou numa revista, a pintura mostra uma piscina com o salpico de alguém que acabou de saltar para cima dela.

Assim, a pintura parece não ter um sujeito definido, uma raridade para as suas obras da época. Este anonimato instiga a curiosidade, à medida que os espectadores imaginam quem pode ter acabado de mergulhar ou sentem a emoção de saltar de um trampolim para a água fresca sob o calor do sol da Califórnia. Contudo é o momento efémero, aqueles segundos fugazes após um sujeito romper a superfície da água, que mais intrigavam Hockney. Fascinado pela interacção entre a água e a luz, produziu muitas obras com piscinas, retratando-as de cada vez num estilo diferente, incluindo em Peter Getting Out of Nick’s Pool (1966).

5. Sur la Terrasse, 1971

Em Sur La Terrasse, Hockney emprega uma abordagem vibrante e meticulosa à composição, criando uma cena visualmente cativante que convida o espectador a um momento de tranquila introspecção. A pintura apresenta uma figura solitária, de costas para o observador, contemplando a paisagem. A postura contemplativa da figura sugere um sentimento de saudade ou reflexão, temas recorrentes na obra de Hockney durante este período. A vegetação exuberante e as palmeiras ao longe evocam uma sensação de paraíso tropical, contrastando com as linhas frias e estruturadas do terraço e do espaço interior visto através da porta aberta.

O uso da cor nesta obra é particularmente marcante, uma vez que a paleta de Hockney varia dos tons quentes do chão do terraço e das roupas da figura aos azuis e verdes frios da paisagem. A sua manipulação da luz e da sombra realça ainda mais a composição, com a luz solar a filtrar-se pela grelha do terraço, projectando padrões que acrescentam uma camada de complexidade à cena.

A escolha do tema por Hockney – um momento íntimo, aparentemente privado, reflecte a sua exploração mais ampla de temas pessoais e emocionais. A figura, frequentemente interpretada como Peter Schlesinger, amante e musa de Hockney, introduz uma camada de significado autobiográfico, ligando a pintura às experiências e relações do próprio artista. Esta dimensão pessoal, aliada à representação da luz e do espaço por Hockney, posiciona Sur La Terrasse como uma obra pungente e multifacetada dentro da carreira do artista.

6. A Lawn Being Sprinkled, 1967

“Um Relvado Regado”, de David Hockney, pintado em 1967, não é apenas uma representação da tranquilidade suburbana; é uma síntese magistral dos princípios da Pop Art, entrelaçada com a crescente influência da arte digital, um testemunho da experimentação incansável de Hockney e da sua capacidade de captar a essência em vez de detalhes meticulosos. A obra atrai imediatamente o olhar com a sua paleta ousada – predominantemente verde e azul – que contrasta fortemente com o cinzento suave da fachada da casa e o telhado castanho, estabelecendo uma hierarquia visual que guia o olhar do espectador pelo extenso relvado. Aspersores dispersos pontuam esta extensão verdejante, criando linhas dinâmicas de movimento e interrompendo subtilmente a composição, que de outra forma seria estática.

7. Pacific Coast Highway and Santa Monica, 1990

Embora Hockney nunca tenha vivido ou trabalhado em Santa Monica, o artista de 80 anos é proprietário de uma casa de praia em Malibu com vista panorâmica para o Pacífico. “Aqui, estamos a olhar para a extremidade do mundo ocidental”, afirmou Hockney uma vez. A pintura “Pacific Coast Highway e Santa Monica” foi pintada de memória e retrata um passeio diário que Hockney fazia com amigos.

A pintura esteve na recente retrospectiva da obra do artista na Tate Britain e apareceu na contracapa da autobiografia de Hockney, “That’s The Way I See It”. A grande tela foi pintada “enquanto os contemporâneos de Hockney proclamavam a morte da pintura e se voltavam para a fotografia e a arte conceptual”, segundo um artigo recente do Telegraph. A obra “capta a luz solar intensa e as cores vibrantes de Los Angeles, as mesmas características que atraíram Hockney para longe dos céus cinzentos de Londres”, afirmou a Sotheby’s.

8. California, 1965

Em 1964, David Hockney partiu de Londres rumo à Califórnia. Formado no Royal College of Art em 1962, tinha poupado o suficiente com a venda das suas pinturas para viver em Los Angeles durante um ano. Ao chegar, apaixonou-se pelo brilho deslumbrante da cidade: os beija-flor a pairar nas palmeiras, o sol escaldante a queimar o céu azul, as piscinas da cor dos olhos de Frank Sinatra.

Hockney percebeu que os subúrbios ricos de Los Angeles raramente tinham sido representados na arte. Decidiu tornar-se o Piranesi de Santa Monica e Beverly Hills. Enquanto o artista do século XVIII retratava Roma como uma fantasia gótica para os viajantes europeus, Hockney pintava Los Angeles como o sonho utópico do cidadão comum. Tudo é perfeito: espreguiçadeiras brancas em terraços ensolarados, corpos esguios a flutuar em piscinas rectangulares, árvores ornamentais a brotar da terra castanha ao lado de paródias bem-humoradas de Le Corbusier e Frank Lloyd Wright.

9. Early Morning, Sainte-Maxime, 1968-1969

A obra Early Morning, Sainte-Maxime exemplifica a capacidade de Hockney em captar a essência de um momento através de uma abordagem refinada. A composição é marcada pela sua simplicidade: a vasta extensão de água calma, os contornos ténues dos barcos e a silhueta distante dos edifícios criam um equilíbrio harmonioso que convida o observador a mergulhar na quietude da cena. O sol nascente, visto através da suave névoa matinal, torna-se o ponto focal, infundindo na pintura uma luminosidade subtil.

O uso de uma paleta de cores limitada por Hockney – tons suaves de rosa, azul e roxo – realça a qualidade etérea da luz do início do dia. As delicadas gradações de cor evocam a transição gradual da noite para o dia, captando com precisão a transição do amanhecer. Este uso contido da cor contrasta com os tons mais ousados e vibrantes que Hockney empregou frequentemente nas suas obras posteriores, destacando a sua versatilidade e sensibilidade a diferentes atmosferas.

Early Morning, Sainte-Maxime explora a interação entre a luz e a água, um tema recorrente na obra de Hockney. A composição serena e a luz suave da pintura evocam uma sensação de quietude e reflexão, convidando o espectador a contemplar a beleza serena do mundo natural. A representação de Sainte-Maxime, uma pequena cidade na Riviera Francesa, reflecte também o fascínio de Hockney por diferentes lugares e a sua capacidade em captar as suas atmosferas únicas.

A pincelada precisa, porém discreta, de Hockney contribui para o ambiente relaxante da pintura. A mistura suave, quase perfeita, das cores cria uma sensação de continuidade e fluidez, espelhando a calma do mar. Esta proficiência técnica sublinha o domínio de Hockney sobre a sua técnica, permitindo-lhe transmitir emoções e atmosferas complexas com aparente facilidade.

10. Winter Timber, 2009

A obra “Winter Timber” de Hockney examina a interacção entre a beleza natural e a intervenção humana numa paisagem invernal. O ponto focal da pintura são as pilhas ordenadas de troncos, representadas em tons quentes que contrastam com os tons frios da floresta circundante. Estas escolhas de cores não são apenas estéticas, mas servem para realçar a justaposição entre o orgânico e o artificial, convidando o espectador a contemplar o impacto humano na natureza.

A disposição linear dos troncos e do trilho na floresta introduz um ritmo dinâmico à composição, guiando o olhar do espectador através da pintura. Este padrão estruturado contrasta com as árvores aparentemente caóticas e sem folhas que dominam o fundo.

O uso da luz em “Winter Timber” realça ainda mais o seu realismo e profundidade. A luz filtra-se pelas árvores, projectando longas sombras e realçando os contornos dos troncos, acrescentando uma qualidade tridimensional à obra. Este jogo de luz e sombra contribui para o ambiente geral da pintura, evocando a atmosfera nítida e clara de um dia de Inverno.

A obra “Winter Timber” aborda a intersecção entre a natureza e a indústria, levantando questões sobre a desflorestação e o equilíbrio ecológico. No entanto, a representação de Hockney não é apenas crítica; ela também celebra a harmonia que pode ser encontrada nesta interacção. A pintura sugere uma visão matizada da relação humana com a natureza, reconhecendo tanto a beleza como as consequências dessa relação.